Les séries d’Hélène Zakhtser représentent un projet intéressant qui, à notre avis, devient tout naturellement une composante des tendances modernes de l’évolution de la photographie comme un moyen d’approche de l’essence profonde des choses qui ne ressemble point à leur apparence. A la limite du XX et XXI siècles nous pouvons observer le même parallèle à l’évolution de la photographie au tournant des XIX et XX siècles due à un nouveau développement des sciences et technologies. A la base de n’importe quelle image – que ce soit une photographie de reportage, un instant arrêté, un snap-shot, en général, n’importe quel moment fortuit où l’on appuie sur le bouton de déclenchement, - et bien, à la base de n’importe quelle de ces images un artiste, qui ajoute à son oeuvre les sens et les associations désirés, crée une représentation qui peut être assez éloignée de son prototype.
Dans les séries proposées, l’auteur a choisi un sujet qui, à l’origine, était perçu comme romantique et dont la forme est lue dans l’imaginaire collectif comme "élégant" et "beau". D’une part, c’est une voie risquée pour l’auteur parce qu’il y a toujours le danger de se trouver dans la catégorie de la banalité et de la platitude. Mais par ailleurs des sujets et des images éternels comme ceux-ci sont un terrain d’exploration assez intéressant. Est-il possible de trouver ici de nouveaux sens et comment seront-ils perçus? L’élégance des danseurs et des danseuses, la beauté de leurs vêtements et de leur danse a, sans doute, son charme pour le spectateur et ce dernier (d’une manière subconsciente, peut-être) va plus volontiers au contact avec cette image, laquelle, d’une part, il peut mettre en rapport avec son expérience individuelle, et d’autre part, cette image est toujours associée à quelque chose "d’élitiste" et "d'artistique". Donc l’oeuvre est aussi automatiquement perçue comme élégante parce qu’elle a été conçue comme telle.
La perception de la photographie originale est toujours là – le spectateur devine le contexte initial – les costumes de danseurs, les rangs de spectateurs que l’on voit vaguement, l’espace d’action – tout cela nous fait penser aux compétitions, à un concours, à une intervention démonstrative. Mais, en général, l’auteur s’est déjà éloigné dans un espace onirique, d’imagination et de souvenirs d’autres mondes où les danseurs se transforment en une image scintillante, et la photographie s’estompe en une image thermographique, un dessin pastel, un graffiti ou encore une vue à travers un verre dépoli et mouillé. Au premier abord, l’image ne ressemble pas à une photo à un tel point que le spectateur ne peut pas l’identifier du premier regard. Mais il suffit de regarder encore une fois pour que l’on commence à reconnaitre l’image "documentaire" qui apparait à travers les couches superposées du traitement sémantique et technique. L’auteur a réussi à trouver une proportion intéressante entre le réel et l’imaginaire qui charme et trouble le spectateur, qui le fait retourner à ces images et les examiner encore et encore.
Nous ne pouvons pas lire la pensée directe de l’auteur ou bien, si on peut le dire, son "message" d’une manière univoque. L’auteur se concentre sur l’image, il y a des formes qu’il souligne et met en relief, il y en a d’autres qu’il aplanit et masque. La réalité se transforme complètement – on voit apparaître des couleurs inattendues, des textures bizarres. Mais le sens profond – à quel point change-t-il? C’est l’éternel problème du rapport entre la forme et le contenu que l’auteur essaie de résoudre à la base de ses photographies. Et il le résout, mais en même temps il nous laisse un champ libre pour des interprétations et des recherches. Hélène Zakhtser a réussi à créer une image qui est intéressante par sa multivalence et qui suscite en nous le désir de réfléchir.

Les œuvres d'Hélène Zakhtser de la série "Portraits des instants" sont laconiques du point de vue de l'image, mais elles sont complexes en ce qui concerne leur réalisation. Chaque photo a été traitée manuellement en pastel. Chaque épreuve, tout en étant une photo, devient une œuvre unique et exclusive. Du fond sombre, du néant absolu on voit apparaître l'image d'un artiste au moment où il est absorbé par une émotion. Le photographe a choisi, peut-être, la meilleure façon d'exprimer tant de choses complexes en une simple image que ce soit la personnalité du musicien, les sentiments du spectateur, les impressions que la musique fait naître. Rien n'existe – sauf un moment qui apparaît de l'obscurité, un instant qui se transforme en un signe. Ce signe-là est très simple, c'est une forme de base, une lettre ou une note, mais à son aide on peut transmettre une multitude infinie de sens, de sentiments, d’intonations et de nuances. Chaque artiste apparaît en même temps comme une individualité brillante et exceptionnelle et comme un symbole – un symbole d’un instant unique en harmonie avec la musique.
Ces photos sont très simples, immobiles et autosuffisantes, mais en même temps elles sont pleines d’énergie qui bat quelque part sous la surface et on sent qu’il faut encore quelque chose pour détendre... Un frôlement, un contact manuel. C’est pour cela que l’image est traitée en pastel qui est conducteur entre les mondes – les mondes du son, des émotions et de l’image.

Au mois de mars 2018 dans la Galerie Nationale de la République des Komis a eu lieu l’exposition du photographe de Moscou Hélène Zakhtser qui présente ses travaux à des vernissages et des concours avec succès. Cette fois le projet d’exposition a été réalisé dans la ville de Syktyvkar qui est la capitale de la République des Komis. Le sujet de cette exposition c’est le sport, ou plutôt la boxe, alors que sa conception c’est l’interprétation de la force interne et de la puissance physique de l’homme non seulement par la création des images artistiques par les moyens de la photographie mais aussi sur le niveau de l’interprétation philosophique de l’idée de « surhomme » dans le monde d’aujourd’hui.
L’exposition n’est pas grande – 19 photos réalisées de 2010 à 2017. La série « Je chante les combats et l’homme » («Tale of Arms») fait en 2012 est consacrée à la boxe, c’est la série principale de l’exposition qui se divise en deux sous-sujets : boxeurs et combats. La série comprend de matériaux réels bien que l’auteur ne désigne pas la place et l’événement où la prise de photos a eu lieu. La véracité factologique est assurée non seulement par les visages familiers de sportifs et les noms indiqués sur l’équipement de boxeurs, mais aussi par l’effet de l’actualité de ce qui est entré dans le cadre ce qui a été réalisé par l’auteur.
Les photographies de boxeurs ont le caractère imagé le plus artistique, en fait ce sont les portraits, mais elles portent un autre sens à savoir elles transmettent l’état intérieur de l’homme où tout est visible, tout a du relief et tout est réel : son essence intérieure profonde, son humeur du moment, le pressentiment du possible qui naît à ce moment et qui est dirigé vers l’avenir, qui programme celui qui entre en combat à la victoire. La série visuelle des boxeurs d’Hélène Zakhtser qui se compose de personnes tout à fait différentes représente néanmoins une image unie du sportif : non seulement in vrai « pro », mais aussi une personne qui possède quelques caractéristiques « supérieures » – surnaturel, surhumain, extraordinaire.
La création d’une image de ce genre ne peut pas ne pas être liée avec sa héroïsation – l’auteur utilise des termes parlant de la grandeur dans le nom de la série en citant une ligne du poème Enéide de Vergile où le poète chante la valeur de ceux qui, selon la légende, ont fondé la civilisation de Rome ancienne. L’opposition du caractère héroïque de l’antiquité à la société moderne qui essaie, mais sans beaucoup de succès, de trouver quelque fondement de son existence, nous laisse voir une perception du monde qui est liée, peut-être, au principe de consolidation et d’union, et dans le monde qui est divisé entre hommes et femmes, l’auteur nous laisse nous interroger à ce que nous devons nous rappeler concernant la moitié forte de l’humanité.
Le renvoi au traité de Friedrich Nietzsche «Ecce Homo: Comment on devient ce que l'on est» donne à l’exposition le contenu idéologique supplémentaire. Il s’agit non seulement des citations issues de ce traité qu’on peut voir à l’exposition (qui sont écrites avec beauté par l’Académie de la calligraphie de Moscou et réalisées d’une manière artistique par les étudiants du Collège des arts de la République des Komis à la veille du vernissage) mais aussi de la perception du monde propre à l’auteur de l’exposition qui est à la base de son crédo artistique. En percevant son époque comme le temps de la crise spirituelle Nietzsche voyait la clé à transformer l’humanité dans la renaissance des principes de Dionysos opprimés et cachés dans l’homme pendant toute l’existence du cristianisme ; par sa proclamation de la mort des Dieux le philosophe a prédéterminé la révélation de couches plus profondes de l’ame humaine, et c’est bien la mise à décovert de ces couches, d’après son idée, qui doit amener à l’apparition du « surhomme ». A partir du quotidien du combat de reportage jusqu’aux discussions conceptuelles à propos de la question à savoir s’il est possible de trouver dans l’homme moderne ce que Nietzsche a annoncé dans son traité, – ce n’est qu’une direction de la logique que l’auteur a mis à la base de son exposition.
Une nuance supplémentaire que l’on comprend sur le niveau sentimental penda nt l’exposition concerne le haut niveau de l’impression de photographies. Comme on ne peut pas comparer l’impression que l’on a lorsqu’on voit l’œuvre original et lorsqu’on voit une copie ou une reproduction digitale, on ne peut pas comprendre toute la conception de l’auteur à l’aide d’une photographie digitale en format électronique même si cette photo est réalisée avec beaucoup d’art et de précision. Les œuvres d’Hélène Zakhtser – c’est avant tout la photographie artistique c’est-à-dire, au moment de la prise de photo, l’auteur avait une conception artistique bien déterminée pour la réalisation de laquelle l’auteur a beaucoup réfléchi sur l’éclairage, l’aspect, l’environnement etc., – tout ce qui s’appelle l’étude de la nature dans l’art. Evidemment le choix du format noir et blanc est plus proche à la perfection esthétique.
La série «Lot» («Set») dès le début est partie composante de l’exposition comme un élément qui renforce la dramaturgie de l’exposition où la tension de la puissance, du tempérament, de la volonté pourrait être alternée par la méditation sereine qui provient de la contemplation de phénomènes ou d’objets statiques et immobiles du monde qui nous entoure. L’auteur a choisi des objets de factures différentes qui peuvent être réunis dans une photographie sur le niveau de la comparaison comme, par exemple, chiffons et bois, pierre et métal, mais plus souvent les factures sont bien à part : pile de bois, un escalier qui monte et qui est fait de pierres, avec des marches usées pendant des siècles, un tas de tuiles et une seule photo en antithèse à la nature morte et qui représente une paupière fermée d’éléphant. La facture est si vive, si palpable, que le spectateur la perçoit aussi bien sur le niveau visuel que dans la forme de sensations tactiles appropriées.
En tout cas il n’y a rien d’étonnant que cette exposition réalisée sur le point de jonction de l’art de photographie, de sujets sportifs et de la perception philosophique du monde est devenue un plateau interactif sur lequel les écoliers se rencontrent avec les boxeurs professionnels, les étudiants non seulement prennent connaissance de la vie et de l’œuvre de Friedrich Nietzsche mais aussi font leurs propres conférences concernant le sujet de la médecine dans les arts plastiques, et le jeu de questions-réponses sur les sujets concernant la photographie – la boxe – l’art a été gagné par l’équipe d’érudits du club intellectuel.